Voici la version 3D du personnage de mon tutoriel.

Il existe actuellement deux versions: celle avec le personnage seul, et une autre avec un décor. Choisissez celle qui convient le plus, ou regardez les deux...

 

Vous pouvez voir le modèle directement en 3D en cliquant sur le bouton marche de la fenêtre.

Grâce à votre souris, vous pourrez pivoter, zoomer et translater l'objet. en jouant avec les options du menu "settings", vous avez accès aux paramètres de conception du modèle.

Treeblayde by harway on Sketchfab

 

 

Treeblayde The pirate lizard by harway on Sketchfab

Voici une preview de l'un des personnages principaux de mon futur jeu vidéo intitulé "The Far Cat".

 

Vous pouvez voir le modèle directement en 3D en cliquant sur le bouton marche de la fenêtre.

Grâce à votre souris, vous pourrez pivoter, zoomer et translater l'objet. en jouant avec les options du menu "settings", vous avez accès aux paramètres de conception du modèle.

 

Nous reprenons le tutoriel de création de personnages là où l'article de la première partie s'est arrêtée.

V. Coloration et aplats de couleurs

A partir de cette étape, il est vivement conseillé d'avoir une tablette graphique pour mieux gérer l'ajout de couleur sur des parties difficiles à gérer à la souris.

Nous avons donc notre superbe créature bien encrée et bien soignée, prête à être coloriée. Essayez de vous arranger pour avoir seulement les traits de votre personnage, et pas le cadre blanc qui délimite celui-ci (enregistrez l'image en format png, qui gère la transparence des images).  On peut remarquer que mon personnage est fondu avec l'arrière-plan de l'article, merci le PNG !

 

Pour la coloration, il existe énormément de logiciels spécialisés dans ce domaine. On retrouve parmi eux Photoshop ( puissant mais nécessite beaucoup de réglages et un bon ordinateur); PaintTool SAI (utilisé par beaucoup d'artistes et dessinateurs, mais peu intuitif); Manga Maker (possibilité d'avoir des manequins 3D, mais dur à prendre en main)... Et Sketchbook (moins d'options que les autres mais très simple et intuitif) que j’utiliserais pour le tutoriel.

Malgré son apparence enfantine, il offre des possibilités très intéressantes comme le dessin en perspective à plusieurs points de fuite, la symétrie, différents outils d'aide au tracé de courbes et une bibliothèque de couleurs bien organisée, proposant des choix de nuances intéressantes (c'est idéal pour moi qui, selon mes proches, considèrent mes créations trop contrastées ou trop sombres). 

 

 

Nous allons donc ouvrir notre personnage avec ce logiciel (éviter d'importer directement l'image sur le plan de travail, il risquera de perdre en qualité). J'ai préalablement mis un calque d’arrière-plan de couleur grise afin de moins être dérangé par la rétroprojection écran, étant donné que nous allons passer un petit moment à colorier. Ce gris anthracite donne également des repères pour éviter de se retrouver avec un personnage avec des trous à la place des yeux, par les paramètres de transparence. Cette couleur donne aussi un certain charme quand on travaille dessus, on se sent plus serein et concentré.

 

 

Il y a une chose  qui paraît logique voire humiliante quand on vous le rappelle, mais les novices ont tendance à colorier directement sur le dessin, comme sur une vraie œuvre papier. Des systèmes de calques ont été mis au point par les logiciels pour que vous puissiez vous organiser et mieux paramétrer vos couleurs et les séparer de votre dessin...et surtout moins vous prendre la tête pour des détails que vous avez mal coloriés. Il est donc judicieux d'avoir un calque de base où se situe votre dessin, accompagné d'autres claques spécialisés dans la couleur. Vous pourrez ainsi modifier autant de fois vos couleurs sans pour autant modifier vos traits de base auquel vous avec déjà passé une bonne partie de la journée à configurer pour être le plus net possible !

 

 

 J'ai donc commencé à colorier la peu de mon personnage, en créant un claque "peau" sur lequel apparaîtra uniquement la couleur de la peau. J'ai paramétré mon calque pour que si jamais je coloris sur les traits noirs de mon personnage, ceux-là ne disparaissent pas sous la couleur. Ce type de calque s'appelle "produit" ou "multiplication" selon les logiciels.

N'hésitez pas à faire un calque par couleur spécifique. Il sera alors plus facile de modifier une seule couleur plutôt que de s'embêter à sélectionner avec la baguette les zones spécifiques.

 

 

Ma chère Treeblayde a enfin toutes ses couleurs qui lui sont attribuées. On commence à bien se donner une idée du personnage en fonction des nuances choisies. En interprétant le rendu actuel, on pourrait supposer qu'elle vient d'un pays oriental, de par ses habits écarlates et ses accessoires dorés.  Pour ceux qui jugent leur dessin terminé à cette étape, il n'y a aucune gêne. Beaucoup d'artistes se basent seulement sur des couleurs unies pour colorier leurs personnages (en prenant exemple que les Lucky-Luke, les Spirou et les Gaston). Cependant, on a l'impression qu'il manque quelque chose sur mon personnage, une impression de "pas fini", ou "trop simplifié". Nous allons dons rajouter des ombres à notre personnage.

 

 

Je préconise d'utiliser un calque à part pour créer les ombres, afin de pouvoir par la suite doser leur intensité sur les différents éléments. Il y a plusieurs manières de faire des ombres, variant selon le niveau de détail souhaité (dans mon cas j'utilise deux types d'ombre: Franche pour accentuer certaines parties qui n'ont pas été assez soulignés avec les couleurs, et diffuses, pour donner du volume et atténuer l'effet plat du dessin.

 

 

On peut donc apercevoir un début d'intégration des ombres sur l'image du dessus, notamment sur la peau. On a maintenant la notion du volume des muscles que possède le personnage (les biceps sont mieux mis en valeur, les abdominaux ont remplacé le ventre plat initial et mettent plus en valeur le nombril...etc).

Afin de gagner du temps en matière de composition, il est possible d'importer des textures directement dans votre dessin, ce qui peut s'avérer très utile pour faire ressortir un effet de tissu sur certaines parties, ou d' autres matières.

 

 

j'ai donc importé en plusieurs fois une texture de tissu, pourl'intégrer à la couleur rouge déjà présente sur le personnage. J'ai créé un calque à part et l'ai glissé juste au dessus du claque couleur rouge nommé "habits". Avec une étape de sélection, j'ai supprimé les bordures qui ne serviraient pas pour le reste du dessin, de sorte à ce que seul la surface colorée possède la texture de tissu. (vous pouvez cliquer sur l'image pour voir plus en détail l'image).

 

Après avoir supprimé les bordures inutiles de la texture de tissu, j'ai joué avec les propriétés du claque et son intensité pour mieux l'intégrer à la couleur. J'ai refait les mêmes étapes d’intégration de matière pour les bandeaux gris, eux aussi composés de tissu (j'ai évidemment pris une autre texture plus fine au niveau des mailles.

 

 

Ajouter des ombres ne suffit pas forcément à donner du volume. J'ai ajouté des petites trainées de lumière sur le côté gauche du personnage. Il faut toutefois rester modéré sur cette étape, car avec trop de luisance, on aura l'impression que notre personnage transpire comme une bouteille d'eau fraiche sortant du frigo.

 

 

J'ai également utilisé la méthode d'&ajout de trainées de lumières pour ré-éclaircir certaines parties trop sombres et pour refaçonner certains éléments comme le nez ou la bouche. J'ai également ajouté des zones d'éclairci sur les cheveux, que j’avais jugés trop sombre.

 

 

Notre personnage a donc reçut sa dose d'ombres et maquillage. J'ai également travaillé les zones métalliques de sorte à avoir certains reflets (un peu bâclés, mais acceptables). Afin que notre personnage garde les pieds sur terre ( et n'ai pas l'impression de voler sans ailes). Ajouter une ombre portée pourrait s'avérer très intéressant et augmenter le réalisme. Encore une fois il y a plusieurs méthodes pour faire des ombres portés...mais comme nous aimons exploiter le logiciel à fond, autant en profiter !

 

 

J'ai donc dupliqué l'ensemble des calques qui constitue le personnage (ombres et effets compris). J'ai fusionné les calques dupliqués en un seul, pour jouer avec la luminosité de celui-ci pour avoir au final une seule silhouette noire.

 

 

J'ai utilisé un module pour flouter un minimum la silhouette (il a toujours énormément de façons de le faire). Je l'ai ensuite placée derrière l'ensemble de calques constituant le personnage. On a déjà un effet plutôt intéressant et exploitable pour d'autres créations.

 

 

Sketchbook possède un programme de distorsion d’image très simple et amusant à utiliser, qui nous servira à placer correctement notre ombre portée. Ajuster l'ombre selon l'endroit d'où provient la lumière sur votre personnage. Je me suis permis de ne pas l'avoir placé correctement pour des questions d’esthétisme.

 

 

Notre création a donc un assortiment d'effets dignes d'un vrai personnage héroïque... Il existe cependant un style de calque qui s'avère inutile à ce stade mais qui peut exagérer la mise en scène et donner un aspect digne de la déification: l'effet luisance.

 

 

En exagérant bien sûr les reflets métalliques et les parties surexposées, notre personnage brille de mille feux comme un pare-soleil sur une voiture. Cet effet n'est vraiment pas indispensable mais peut cacher certains détails mal réalisés (les effets de lumière sur le métal).

 

 

J'ai souvent ajouté, derrière mes personnages, des bandes de couleurs liées aux nuances présentes. Ont appelle cela le "carré Design" qui peut aussi ne pas être carré. Ce détail valorise d'autant plus votre personnage et le délimite mieux avec le fond. Dans mon cas il a permis de définir un plan en perspective sur lequel repose Treeblayde, il accompagne davantage l'ombre portée et comble le vide .

 

C'est enfin la fin de ce tutoriel qui je l'espère n'a pas été trop long ou trop ennuyeux. Si jamais je n'ai pas été assez clair sur certains point, n'hésitez pas à le faire part en commentaire. Il est évident de ne pas avoir pu tout détailler de A à Z, le tutoriel balayant essentiellement les points-clés de la réalisation d'un de mes personnages.

Vous pouvez également trouver le travail terminé dans la galerie "Anthropomorphiques".

 

 

 

Nous voici donc pour le tout premier tutoriel du blog, basé sur la création de personnages.

Dans cet article, j'ai cherché à rester synthétique et large pour ne pas avoir à vous ennuyer concernant des détails peu utiles à la compréhension. Nous survolerons donc l'ensemble des principales étapes afin d'obtenir un sympathique visuel de personnages.

I. Univers du personnage

Afin de débuter la petite séance d'explication, nous allons dans un premier temps définir l'univers du personnage, ce qui nous sera très utile pour définir des formes, couleurs et textures dont nous aurons besoin tout au long de la séance. Choisissez de préférence un univers que vous aimez bien, inutile de vous faire comprendre que vous manquerez de motivation si celui-ci ne vous convient pas. N'ayez aucune honte à choisir celui que vous voulez ! Pour ma part j'ai choisi comme univers celui du Steampunk et du 18e siècle (oui, on peut en mélanger deux !).

Quand vous avez enfin fait le choix du monde dans lequel pourrait vivre votre personnage... et bien cherchez ce que sera votre personnage ! Encore une fois, choisissez ce qui vous plaît et ce qui vous motive (sauf si vous êtes en école d'arts appliqués et que vous avez un DM à rendre sur un thème très spécifique). Moi, j'ai choisi de faire une femme-lézard-pirate. Rien de plus banal...

Nous avons donc notre univers, et notre personnage... Nous ne savons pas cependant à quoi va ressembler notre amie qui je pense doit ressembler à n'importe quoi dans vos têtes. Comme le font tous les dessinateurs, quelques pages de recherches sont les bienvenues pour dégrossir notre création. 

Antérieurement, j'avais déjà réalisé un personnage du même type, mais en version masculine. Voici donc quelques visuels de ce que j'avais déjà créé.

 

 

Je ne sais pas si vous voyez bien les lézards derrière tous ces cheveux bicolores et ces magnifiques habits, mais vous devez au moins voir de quoi je veux parler.

II. recherches et créations

J'ai donc sorti mes grandes feuilles A3 pour commencer mes recherches. Elles sont idéales pour faire plusieurs dessins avec un minimum de détails. Évitez d'utiliser du Canson ou d'autres papiers coûteux pour ce genre de recherches, privilégiez le papier imprimante ou standard. Ce type de recherches ne nécessite pas de grande qualité de rendu, tout ce que l'on veut, c'est trouver les éléments exploitables pour créer notre personnage. Dessinez comme vous le sentez, pas besoin d'adopter un niveau de rendu digne de Léonard de Vinci...

Dans mon cas, j'ai juste utilisé un criterium épaisseur 2 mm, c'est bien pour dessiner rapidement et faire quelques remplissages ou contours éventuels. Evitez toutefois les crayons trop secs ou trop fin (criterium ou 2H), ils sont trop précis et ne font pas assez ressortir les traits du dessin. La gomme n'est pas forcément utile, tout ce qu'on veut c'est rechercher des formes.

En regardant ma planche de recherche, on peut voir les têtes potentielles que pourrait avoir mon personnage, ses oreilles, quelques accessoires, différents types d'yeux... une synthèse des éléments que l'on aimerait développer.

Mon personnage étant en partie une femme, j'ai décidé d’appuyer mes recherches sur sa coiffure, ce qui reste très important pour ce genre de personnage (même si les lézards n'ont pas de cheveux). Étant également un pirate, j'ai voulu lier ses cheveux à un foulard attaché autour de la tête. J'ai évidemment pris des libertés sur le dimensionnement de certaines parties comme les nœuds ou les revers.

 

 

 

 

 

 

 

Après avoir parcouru l'ensemble des détails, j'ai donc tenté de les synthétiser en dessinant en entier mon personnage, en favorisant les mouvements qu'il pourrait faire avec ses accessoires et ses habits. C'est limite plus sympathique quand notre personnage possède une certaine liberté de mouvement, et ne galère pas à marcher avec un tonneau en guise de pantalon.

Ma lézarde étant également un pirate, il est presque d'indispensable de passer par de la recherche d'armes et épées. C'est toujours mieux d'avoir un beau sabre qu'un bâton !

Treeblayde, ma lézarde (oui elle a un nom bizarre), est issu d'un univers où les machines à vapeur sont omniprésentes, j'ai donc ajouté quelques options à son sabre tel que des poignées supplémentaires et des bombonnes de gaz. 7

III. Recherches de "poses" et allures

Votre personnage doit surement avoir un caractère qui lui est propre, un physique qui le définit... C'est pourquoi il faut ensuite rechercher la "pose" dans laquelle figurera votre création. Pour les novices, je vous conseille de vous aider d'un "ocedar", un petit mannequin articulé en bois.  Avoir une base de corps est la meilleure méthode pour avoir les meilleures proportions... mais il peut être très difficile de recopier en reportant ce que l'on voit sur sa feuille. Pour les flemmards qui aiment bricoler un peu sur ordinateur, il existe une méthode très intéressante pour avoir la "pose" que l'on souhaite. Ayant des bases en modélisation et animation 3D, j'ai utilisé un de mes modèles pour rechercher quelle "pose" pouvait le mieux correspondre à Treeblayde, qui a une attitude plutôt sereine, mais provocatrice.

Vous souvenez peut-être de "Felina le Neko à casquette " que vous pouvez retrouver dans la rubrique "Personnages 3D". Felina est une femme-chat qui a des trait  issus des dessins animés, mais avec des proportions corporelles relativement correctes. J'ai donc repris le modèle de Felina en modifiant la disposition de ses membres de sorte à recherches qu' elle aurait été la meilleure "pose" pour l'adapter à Treeblayde.

Cette manière de passer par mon logiciel de 3D n'est pas forcément la plus simple pour les novices, ainsi je leur conseille d'aller sur le site Posemaniacs, où ils pourront trouver une librairie de plusieurs "poses" de personnages en 3D, sans nécessité de logiciel.

J'ai donc fait plusieurs expériences de pauses qui pourraient convenir à ma future création, en variant les dispositions des bras et des jambes, les courbures du dos et la direction dans laquelle tournerait sa tête...etc. J'ai paramétré un système de caméra qui agrandi l'espace de vision de 90° à 120° afin d'obtenir des effets de distorsion de perspective qui marchent très bien dans les "poses" de personnages et amènent une certaine énergie.

Je suis ainsi resté sur cette position qui me paraissait intéressante et abordable. Vous pouvez également apercevoir des bases de sabres que j'ai rapidement modélisés de sorte à avoir une idée d' où les placer dans la scène.

Avec les outils de rendu et les effets "dessin animé" du logiciel, j'ai pu obtenir un personnage composé uniquement de polygones, très utile pour comprendre les volumes et interpréter les ombres. Cette image me servira donc de base pour les prochaines étapes de réalisation de Treeblayde.

Tout le monde a enfin trouvé la "pose" qui correspond le mieux à son personnage, il est donc temps de continuer ! J'ai imprimé l'image précédente sur A4 se sorte à ce qu'elle prenne le maximum de place sur la feuille. Plus un dessin est grand, plus on pourra ajouter de détails. Ne voulant pas avoir de problème de perspective j'ai donc utilisé la méthode des novices, afin de me concentrer sereinement sur le personnage en lui-même (si certains d'entre-vous sont très bons dans le dessin de corps, vous pouvez négliger cette partie, mais il y a des risques de ne pas être convaincu des proportions). 

IV. Dessin, encrage et numérisation

Tout le monde a, je pense, décalqué des formes dans sa vie, que ce soit au collège pour refaire des cartes de france ou autres travaux, c'est la méthode la plus simple pour recopier. Le modèle 3D ayant été réalisé et animé intégralement pas moi-même, je n'ai aucun scrupule à faire cela (D'ailleurs, des logiciels de dessin proposent d'utiliser des modèles 3D interactifs intégrés).

J'ai ensuite sorti ma table lumineuse que j'ai fabriqué moi-même à partir d'une boîte à thé vitrée, de dimensions comparables à celles du format A3, vous pouvez acheter de vraies tables lumineuses mais elles risquent de couter très cher.

Après avoir positionné mon modèle imprimé sur la table, j'ai placé par-dessus une feuille Bristol blanche du même format que l'imprimée ( vous pouvez toutefois utiliser d'autres formats que ceux que j'utilise, le résultat est quasiment le même). Le bristol est relativement épais et lisse, il permet de faire de meilleurs encrages tout en gardant une meilleure maîtrise des outils tels que le pinceau à l'encre ou le feutre. Évitez d'utiliser le Canson pour cette étape, qui, par sa texture rugueuse peut réduire la durée de vie de vos stencils de dessin.

Je préconise le décalquage avec un crayon bleu clair. Pourquoi cette couleur et pas un crayon gris de base ?  Vous aurez rapidement la réponse en continuant le tutoriel.

J'ai donc grossièrement décalqué les membres principaux du personnage. Je reste simple car ce qui m'intéresse vraiment, ce sont les proportions. Mon personnage n'ayant pas la même tête et les mêmes habits, j'ajouterais les détails après avoir décalqué la forme du modèle imprimé. Il peut être aussi astucieux, si vous avez un modèle très simple, d'imprimer directement en couleur bleue sur du bristol, mais faites  attention à bien paramétrer votre imprimante, j'ai eu de mauvaises surprises de bourrage papier par la simple épaisseur du papier bristol, qui se courbe moins bien que le standard.

Une fois votre personnage dessiné correctement avec l'ensemble de ses détails, il est temps de passer à l'encrage. Il y a énormément de choix d'outils pour l'encrage. certains vous préconiseront d'utiliser les pinceaux, d'autres de stylo plume, d'autres des feutres...bref ! Chacun son style comme on dit ! Ayant essayé plein de méthodes, je propose d'utiliser des feutres à pointe fine, d’environ 0.3 mm pour les novices. Ce stylo est assez fin pour dessiner certains détails, et assez épais pour qu'il reste bien visible. Vous pouvez aussi faire varier les épaisseurs pour mettre en avant certaines parties comme le bandeau de Treeblayde, ou sa protection au bras.

Cette étape est vraiment importante, elle constitue 60 % du travail. Soignez les détails, corrigez certaines fautes au Blanco ou au POSCA blanc (très util). Essayez d'avoir le meilleur rendu possible, sans pour autant y passer des heures.

Vient alors l'étape de la numérisation, gros bouleversement pour certains qui ne savent pas comment régler leur numériseur pour avoir le meilleur rendu possible. Pas d’inquiétude !

Utilisez les paramètres de base de l'imprimante, en jetant seulement un œil sur la résolution choisie pour numériser. Je conseille une résolution à 300 pp (pixels/pouces), cela vous permettra d'avoir un maximum de détails, sans pour autant avoir un fichier très lourd (pour ceux qui numérisent en A3, je vous conseille d'être à 600pp car deux fois plus grand).

Voilà donc mon dessin numérisé tel qu'il est sorti sur mon ordinateur ! Un superbe dégradé d'ombres vers le haut, un encrage noir qui a viré au gris, et toujours les coups de crayon bleus toujours présents... Comment dire, c'est absolument dégoutant !

Encore une fois, pas de panique ! les logiciels de retouche d' images sont là pour sécher vos larmes et redonner un PEPS à votre création. Selon le logiciel que vous possédez, essayez dans un premier temps de convertir l'image en noir et blanc. Pourquoi noir et blanc, c'est pour enlever les trais bleus utilisés pour le dessin de base. Jouez avec les paramètres du programme "noir et blanc" de sorte à transformer le bleu en blanc. D'un seul coup, le dessin perd tous ses traits bleus ! Jouez également sur les contrastes et les "niveaux de couleur" pour assombrir les parties noires et éclaircir les parties claires.

Notre dessin est maintenant propre, j'ai parallèlement retiré les espèces de gribouillis à côté, que j'avais fait pour tester certains processus créatifs.

Il y a toujours quelque chose qui m'a toujours chagriné à ce moment : On a l'impression que nos traits sont tremblotants et pas assez lisses. En zoomant on peut perçoir plein de petits escaliers qui sont en fait les pixels qui constituent le dessin.  J'ai zoomé sur la poitrine de mon personnage car il y a beaucoup de petits détails qui ne rendent finalement pas aussi bien qu'espéré (le filet au milieu, les tasses de couture, les pompons pas assez éffilés...)

Si ce rendu ne vous perturbe pas, vous pouvez toujours garder ce rendu.

Pour les perfectionnistes, j'ai une méthode assez sympathique qui peut remaquiller vos yeux en larmes devant cet amas de pixels... Il s'agit de la vectorisation. 

Mais quelle est la différence entre vectorisation et image standard ? la réponde la voici :

Pour résumer, une image vectorielle sera toujours nette et n'aura jamais de pixels quand on zoomera dessus, contrairement à l'image standard, aussi appelée matricielle.

Nous allons donc vectoriser l'ensemble du dessin avec un outil magique, intégré dans Adobe Illustrator (pour ceux qui ne l'ont pas, des versions d'essais sont disponibles)

Certains artistes courageux iront jusqu'à redessiner les traits avec les outils de création vectorielle, mais cela prend généralement énormément de temps. Nous, nous allons vectoriser notre dessin en l'espace de 5 secondes.

Ouvrez donc votre dessin dans Illustrator et cliquez dessus, en regardant sur le bandeau du haut vous trouverez un bouton appelé "vectorisation". Le dessin se vectorisera alors automatiquement (avec un peu de temps d'attente). à ce stade, votre dessin sera épuré de manière radicale !

Vous remarquerez que les traits ont été adoucis, quelques détails cependant ont disparu (le filet a perdu quelques traits et certains traits de couture sont manquants) mais rien de grave.

Afin de ne pas saturer la page de l'article, je vais poster une deuxième partie, centrée sur la coloration du personnage, et l'ajout effets utiles pour avoir des rendus intéressants.

Joyeux Noël et Bonne Année

 

 

Chers Visiteurs

 

J’ai été pris par le temps ces derniers jours avec de gros projets à peaufiner. Je n’ai donc pas pu alimenter le blog tel que je l’aurais espéré.

 

C’est donc avec un léger retard d’une semaine que je vous souhaite un joyeux Noël.

 

Nous sommes également le 31 décembre et je pense qu’il est temps de vous souhaiter une bonne et heureuse année, ainsi qu’une bonne santé, cette fois -ci avec quelques heures d’avance.

Bonne journée à vous !

Harway